Mi eje eres tú

13:15 Esther Morales Hernández 0 Comments

David Guerra e Inés Narváez, en Outline. DANIEL GUINDA
La percepción humana ha quedado fundamentalmente supeditada al uso de pantallas. Si bien uno no puede evitar viajar en el transporte público sin dirigir la mirada al móvil o estar en una cafetería sin observar qué ponen en televisión, llama mucho la atención el hecho de que se produzca el mismo fenómeno en los escenarios. Outline, del coreógrafo David Guerra, no queda exenta en este sentido.
Representada el 2 de diciembre en el Teatro Conde Duque, en el contexto de la 29ª edición del Certamen Coreográfico de Madrid, la pieza de Guerra es una elegante producción con una inusual e interesante puesta en escena. Tres son los puntos de luz que parten desde el borde del escenario y que proyectan la sombra de los bailarines sobre el fondo. El resultado es una versión de la historia a pantalla de cine y que –en ocasiones- llama más la atención que la propia acción real.
Natural de Bizkaia, David Guerra dirige actualmente la compañía Kubuk, después de trabajar para formaciones como Michelle Man & Friends o Larumbe Danza, y de interpretar piezas de Carmen Werner, Teresa Nieto o Chevy Muraday para el proyecto de difusión ‘Trasdanza’. Fundada en 2012, la compañía ha sacado adelante un total de ocho producciones que parecen seguir una línea muy marcada a nivel creativo.
En Outline cobran especial significado las formas piramidales que proponen los dos bailarines en escena: símbolo eterno de edificación colectiva en la Historia de las civilizaciones. El propio David Guerra e Inés Narváez experimentan un juego de desverticalización y apoyo entre ambos cuerpos que se intensifica a medida que avanza la pieza. En el trasfondo, un emotivo discurso sobre la construcción del equilibrio y la imposibilidad de que ninguno de los dos coexista sin el otro, apoyada por una excelente interpretación y la –quizás ya sobreexplotada- música de Max Richter.  
David Guerra cierra esta edición del Certamen con el Premio de la Crítica y una acertada mención del Jurado por su clara voz de autor, entre otros galardones. Con una vocación de manejo total del proceso creativo, no es descabellado pensar que pronto dará mucho sobre lo que hablar.  


*El texto de esta crítica ha sido desarrollado durante la edición de diciembre de 2015 del taller Palabras en Movimiento, un proyecto de danza y periodismo. 

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10 hitos de danza que deja 2015

0:25 Esther Morales Hernández 0 Comments

Aún a riesgo de no poder competir contra el mejor ranking del año (véase Los 21 mapaches más importantes de 2015), la actualidad de danza ha dejado algunos hitos durante los últimos 12 meses que merece la pena recordar. Desde retiradas históricas a los regresos más esperados, pasando por nuevas formas de entender el ballet y fenómenos virales, he aquí una selección de los diez momentos más significativos que deja el 2015.

 El adiós a Maya Plisetskaya
Maya Plisetskaya. TEATRO BOLSHOI
No fueron pocos los homenajes que se sucedieron en las redes durante la semana del fallecimiento, a sus 89 años de edad, de la icónica bailarina rusa, Premio Príncipe de Asturias y ex directora del Ballet del Teatro Lírico Nacional durante tres temporadas. Junto con Alicia Alonso y Margot Fonteyn formaría parte de una de las generaciones de bailarinas más importantes de la Historia. En su recuerdo queda la formidable interpretación de la muerte del cisne por la que siempre será admirada, así como su innovadora faceta en el papel principal de Carmen.

Tamara Rojo, la voz de las coreógrafas
Annabelle Lopez Ochoa, Aszure Barton y Yabin Wang. ENB
Que el 2015 ha sido el año del feminismo no es ningún secreto... o al menos ha sido en el que más visibilidad ha tenido el tema con respecto a las últimas décadas. La ex bailarina del Royal Ballet de Londres, ahora directora artística del English National Ballet, ha denunciado en multitud de ocasiones la discriminación que -también- sufren las mujeres como creadoras en el ámbito de la danza. El resultado ha sido She Said, un espectáculo que se estrenará el próximo mes de abril y que pretende reivindicar esta causa mediante el trabajo de tres coreógrafas reconocidas a nivel mundial: Annabelle López Ochoa, Aszure Barton y Yabin Wang.

 El NYC Ballet, portada de The New York Times
Portada de The New York Times del 22 de enero
No es costumbre encontrar en España que los eventos culturales se conviertan en imagen de portada de una importante cabecera. A pesar de que el caso se diera en Estados Unidos, a muchos sorprendió la elección de esta fotografía de la compañía ocupando el espacio que normalmente se destina a los rostros de los políticos o las catástrofes y conflictos internacionales. Benjamin Millepied, el actual Director del Ballet de la Ópera de París, mostraba su admiración a través de su cuenta de Instagram con un sencillo "Times are changing".

 El ballet como nueva tendencia fitness
La modelo Lily Aldridge muestra su rutina de ejercicios para Vogue. VOGUE
Lo adelantaba Vogue con sus rutinas de Home Fitness y pronto, las modelos de Victoria's Secret decidieron apuntarse a la moda y compartir sus fotos haciendo ballet como parte de sus preparativos para el desfile del año. Luego llegó la colección de Oysho inspirada en la danza y los híbridos para salas de gimnasio con nombres como Body Ballet o similares, que ponen de manifiesto la cantidad de beneficios que este ejercicio tiene para la postura y el desarrollo de la flexibilidad. Aunque su fama sea lógica, no deja de ser un tanto desconcertante.

 El Nederlands Dans Theater en España
Un instante de la coreografía Sehnsucht. JAVIER DEL REAL
No hay nada que huela más a verano que el disco 69 Love Songs de The Magnetic Fields, que además pone banda sonora a la pieza Schmetterling (Paul Lightfood y Sol León), una de las dos propuestas representadas por el NDT en el Teatro Real de Madrid en julio de 2015. "Nothing Matters When We're Dancing", recita una de las canciones que acompañan a esta estupenda experiencia visual y ejercicio absoluto de honestidad. ¡Un indispensable!

ESTA entrevista a Jirí Kylián 

Vida, amor y muerte, según el admirado coreógrafo checo. Impagable la sensibilidad que denota en cada una de sus frases, su forma de interactuar con el entrevistador y sus análisis sobre el papel del creador de danza. 

La retirada de Sylvie Guillem 

Si su objetivo era despedirse de la audiencia, Sylvie Guillem lo ha logrado con creces durante su gira mundial Life in Progress. Un recorrido por los cinco continentes que ha durado todo un año y que ha dado al público la oportunidad de ver a esta leyenda de la danza en su máximo grado de madurez artística. Como era de esperar, las ovaciones han sido interminables en cada una de sus actuaciones. 

VINE, ese extraño y fascinante invento

Seis segundos de creatividad absoluta que cada vez cautivan más. Salvando las distancias con los diálogos absurdos y las parodias que priman en esta red, siempre es posible dar con artistas visuales que enriquecen aún más la experiencia. En este aspecto, es obligatorio echar un vistazo a los vídeos sobre danza de la experta en stop motion Meagan Cignoli. 

Flesh & Bone
Cartel promocional de la serie Flesh & Bone. STARZ
A propósito de bailarines retirados, si alguien echa en falta a los ex intérpretes del American Ballet Theatre, Sascha Radetsky e Irina Dvorovenko, Flesh & Bone es la oportunidad adecuada. Con coreografía de Ethan Stiefel, sorprende mucho que un culebrón tan absurdo y sexual como este, a caballo entre el mundo del ballet y el del striptease, albergue secuencias de danza que merezcan la pena. Aún sin fecha de estreno en España, todo apunta a que la serie seguirá la estela de Center Stage, aunque con el matiz oscuro y ciertamente pornográfico que acostumbran a tener la producciones de Starz. 

Sergei Polunin en Take me to the Church

Tenía todos los componentes para convertirse en uno de los fenómenos virales del año: una canción de éxito, la impecable producción de David LaChapelle y el enfant terrible del ballet mostrando sus tatuajes y su excelencia técnica. No es de extrañar que terminara reinterpretando la pieza en el programa de Ellen DeGeneres, aún habiendo comunicado previamente su retirada de los escenarios. Parece ser que el intérprete ucraniano se lo habría pensado mejor y por eso aprovechó su paso por el famoso late show para anunciar su regreso. 

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Cinco coreografías para la disforia primaveral

17:21 Esther Morales Hernández 0 Comments

Sergei Polunin y Kristina Shrapran. GARAGE MAGAZINE
Digamos que últimamente paso muy rápido del estado de euforia total a sentirme excesivamente muerta por dentro. No es nada que me tengan que diagnosticar -creo-, así que lo único que puedo hacer es echarle la culpa a la primavera madrileña, beber un poco más de la cuenta e ir a ver cosas bonitas.

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Conversación con Steve Paxton

11:38 Esther Morales Hernández 0 Comments

Steve Paxton. MONIKA RITTERSHAUS
"A veces se dice que el arte es una flor. Las flores dan lugar a los frutos y los frutos maduran... en ocasiones demasiado. En aquella época la danza institucional era algo demasiado maduro, y la danza moderna empezaba a ser muy repetitiva. Nuestra forma de revelación no fue otra que la investigación sobre nuevas ideas y nuevas técnicas de movimiento".

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Five Days to Dance

20:53 Esther Morales Hernández 0 Comments

Five days to Dance. SUICAfilms
Estrenado el pasado mes de noviembre, el documental Five Days to Dance (Rafa Molés, Pepe Andreu, 2014) se encuentra estos días de proyección en la Cineteca del Matadero de Madrid. Protagonizada por la pareja de bailarines Wilfried Van Poppel y Amaya Lubeigt, la película muestra el proceso de creación coreográfica que ambos llevan a cabo en un colegio de San Sebatián junto a un grupo de adolescentes que nunca han entrado en contacto con la danza. 

Tras haber bailado a las órdenes de eminencias de la danza como Pina Bausch, Susanne Linke o Urs Dietrich, ambos se dedican semanalmente a trabajar con alumnos de centros escolares de Alemania, donde actualmente residen. El objetivo es simple: hacer que los jóvenes descubran aspectos que no conocen de sí mismos a través de la danza, y en tan solo cinco días de ensayos. Después de lograr sacar adelante el proyecto con éxito en varios colegios, a Van Poppel -originario de Holanda- y Lubeigt -de España- se les ofrece la oportunidad de realizar la misma actividad en un colegio de San Sebastián.

Lo que parece la excusa perfecta para no sentarse en el pupitre durante una semana o, al contrario, un impedimento para que los profesores avancen en sus programas como pretenden, se convierte en toda una experiencia para un centro en el que la convivencia entre alumnos no transcurre con la mayor normalidad. 

La toma de contacto de Van Poppel es muy directa, "¿quién de vosotros ha escuchado hablar de la danza-teatro?", y la respuesta, como era de esperar, totalmente nula. Pronto vamos conociendo no solo a los dos bailarines que dirigen el proyecto, también a unos profesores que se plantean continuamente la desmotivación que genera el sistema educativo actual y, por supuesto, a unos alumnos que se enfrentan a sus propios conflictos, desde superar lo que parecen claros casos de bullying a dar con la clave adecuada para encontrar ese entusiasmo que se les pide. 

Al ver Five Days to Dance es imposible no acordarse del también documental Dancing Dreams (Rainer Hoffman, Anne Linsel, 2010), en el que una aún en vida Pina Bausch reúne a un elenco de jóvenes que nunca antes han bailado para realizar su famosa pieza Kontakthof. Precisamente la mayor contribución que hace esta "versión española" es su capacidad para mostrar las historias personales de sus artífices, que entienden el desarrollo de la actividad como lo que en Estados Unidos se conoce como el Challenge Day, que también retrataría el canal MTV en el docureality If you really knew me -traducido en nuestro país como Si me conocieras-.

La película lleva tras de sí un emocionante discurso sobre las capacidades más desconocidas de la danza y la necesidad de las personas de expresarse a través de sus cuerpos como parte de su propia naturaleza. Con la cita de Wilfried Van Poppel, "si las personas pueden bailar juntas, pueden vivir juntas", Five Days to Dance nos ayuda también a plantearnos la forma que tienen los individuos de relacionarse desde la pubertad, los errores de hacer definir un camino u otro a edades tan tempranas o la importancia de recurrir a experiencias vitales que ayuden a salir de la llamada zona de comfort.

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Compartir la danza: 10 años de Abreu

13:31 Esther Morales Hernández 0 Comments

Animal, de la Compañía Daniel Abreu

A lo largo de mi vida la danza se ha convertido en una auténtica terapia mental. Lo cierto es que siempre voy al teatro a solas por dos razones: una, no quiero depender de nadie a la hora de comprar las entradas; y dos, el ritual de ver un espectáculo es una especie de cita a solas entre la compañía/el coreógrafo/la pieza de turno y yo que me resulta bastante difícil de explicar. 

En las últimas semanas he tenido la suerte de ver en dos ocasiones a la Compañía de Daniel Abreu, que anda de enhorabuena no solo por su reciente mención como Premio Nacional de Danza 2014, sino también por los diez años que acaba de cumplir la formación. Precisamente una de las propuestas de conmemoración de aniversario sería Acto de fé, un relato hablado y bailado sobre la trayectoria de la compañía que tuvo lugar a mediados de diciembre en la sala Cuarta Pared. Con menciones a piezas como Ojos de Pez, Perro o Silencio y la proyección de incontables fragmentos de sus obras acompañando, la cita se convirtió en una reunión de amigos que han resultado claves en la vida profesional y personal de Abreu, desde sus años en el Teatro Victoria de Santa Cruz de Tenerife hasta la actualidad. Si bien esta especie de encuentro con "chistes de bailarinas" resultara algo difusa, me sirvió para reflexionar sobre la importancia de compartir y celebrar el arte más allá de los tratados sobre el movimiento, el lenguaje del creador o los rasgos identificativos.

Aún con el "Summertime Sadness" que improvisó la compañía para despedir la noche metido en mi cabeza, viajo a Tenerife para descansar unos días en familia y, de paso, asistir al Festival Canarios Dentro y Fuera que se programa todos los años en la isla y que este año se inauguraba con la representación de Animal, también de Daniel Abreu, en el Teatro Guimerá. Lo curioso es que si uno echa un vistazo a la página de Facebook del festival se encuentra con un vídeo del coreógrafo pidiendo al público "romper las estadísticas que dicen que en Tenerife no interesa el arte", y el pasado viernes, ante la sorpresa de todos, la formación dió con un teatro repleto de asistentes que no dudaron en ponerse en pie para alabar su trabajo al final de la pieza.

Me pregunto si todo esto se debe a lo triste que me pone la Navidad, pero me hacía especial ilusión que mis acompañantes vieran las piezas de la Compañía -tanto en Madrid como en Tenerife-, como si necesitara que esa terapia mental la vivieran también ellos, y la verdad es que es imposible arrepentirse de haber hecho una excepción. De lo que no hay duda es de que este ha sido un gran año para la formación, con representaciones en festivales de todo el mundo y con los que siempre han confiado en la capacidad creativa de Abreu esperándole desde casa, felices por sus éxitos. Es así como se celebran las ocasiones especiales y solo de esta forma es cuando merece la pena compartirlas.

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